Serrat, mirando hacia adelante y sin nostalgia

SERRAT, MIRANDO HACIA DELANTE Y SIN NOSTALGIA

Hubiera sido lo más fácil para Serrat: con una trayectoria tan fecunda como exitosa, para  celebrar sus 50 años en la profesión con una nueva recopilación, solo tendría que haber  escogido de entre su extensa discografía, sus temas  más recordados. Pero no, Joan Manuel, siempre reinventándose con sonidos musicales que vayan acorde con su tiempo,  ha preferido arroparse de amigos de la profesión que le han acompañado en una serie de duetos que pone al día parte de su lujoso bagaje musical. 

Llevar a buen término este proyecto le ha llevado casi un año, y en su plan también ha tenido cabida el registrar algunos de sus míticos temas de nuevo; así como el incluir otros tal y como aparecieron originalmente. De esta forma, esta edición (caja con 4 cd’s y libreto) que iba a llamarse ‘Trencadís’, ha pasado a denominarse ‘Antología desordenada’. En la misma, aparte de esos registros originales citados, nos encontramos con 31 duetos –algunos de ellos ya publicados con anterioridad– con artistas de la talla de Joaquín Sabina, Ana Belén y Víctor Manuel, Mina, Luis Eduardo Aute, Pablo Milanés, Alejandro Sanz,  y Miguel Ríos, entre otros; sin embargo, sorprenden mucho más, por su calidad y frescura, dúos con gente joven que viene pisando fuerte en el panorama musical español y catalán como es el caso de Silvia Pérez Cruz (‘Plany al mar’), Dani Martin (‘Señora’), Pablo Alborán (‘Paraules d’amor’), y ese dueto curioso y testimonial (‘Per què la gent s’avorreix tant?’) entre Serrat y el humorista, presentador y productor Andreu Buenafuente.

No, decididamente Joan Manuel Serrat no es amante de la nostalgia, ni de escuchar sus propias canciones: una vez compuestas y registradas, pasa página, las archiva en un cajón hasta que las canta de nuevo  en directo. Es por ello que él no se cansa de rubricar: “No miro atrás porque tengo miedo a caerme, porque a lo mejor me pierdo lo que tengo delante”.  Plausible filosofía.  Por ese motivo, reconozco que escucho con mucha atención todo lo que va publicando, y esta vez, he de deciros que nuestro trovador más querido ha vuelto a dar en el clavo. No obstante, y sin dejar de recomendaros que obtengáis esta triunfal ‘Antología desordenada’ recién editada con mucho talento y visión, también necesito proclamar que para los que el noi de Poble Sec  viene encandilándonos desde hace varias décadas con sus textos y melodías, ayudado por los arreglos que los maestros Ricard Miralles y el desaparecido Josep Maria Bardagí concedieron a tan magno material, seguimos echando muy en falta aquella frescura y aquellos sonidos acústicos que consiguieron que Joan Manuel Serrat se convirtiese en catalán universal.

Nos deja Joe Cocker, la voz desgarradora del soul / Joe Cocker, the heart-breaking voice of the soul leaves us

NOS DEJA JOE COCKER, LA VOZ DESGARRADORA DEL SOUL

Este 2014 que está finalizando ha sido tremendamente aciago: varios de los artistas musicales que se convirtieron –entonces y por siempre– en nuestro hilo musical diario, nos han abandonado.  Hoy, la voz rota de Joe Cocker nos acaba de dejar después de larga enfermedad. Así lo ha comunicado su compañía discográfica Sony hace unos minutos. No me gustaría caer en los tópicos, pero es imprescindible anotar que las grandes y emotivas versiones que realizó en 1969, le elevaron a comienzos de los años 70 al Olimpo de los elegidos. Es el caso de ‘With a Little Help from My Friends’ (The Beatles; a quienes llegaría a versionar en varias ocasiones), ‘Just Like a Woman’ (Bob Dylan), ‘The Letter’ (Box Tops), ‘Feelin’ Alright’ (Dave Mason), ‘Darling Be Home Soon’ (John Sebastian), y un largo etcétera de canciones, entre las que no faltaron composiciones suyas (escritas en compañía de Chris Stainton) del calibre de ‘Pardon Me Sir’, ‘Woman to Woman’, y la inconmensurable ‘High Time We Went’, por reseñar tan solo algunas de las que brillaron en el que para mí creo fue su mejor período de Cocker: 1969 – 1972.

Todo hay que decirlo, su carrera discográfica ha tenido sus más y sus menos, obra resentida a comienzos de los 70 por sus malos hábitos con la heroína; si bien cuando logró salir de la misma, sucumbió a una maldita espiral de alcohol. A mediados de los 80, una nueva generación aplaudiría sus comerciales interpretaciones –con un Cocker algo más comedido–,  tales como ‘Up Where We Belong’ (a dúo con Jennifer Warnes, e incluida en la banda sonora del filme ‘Oficial y caballero’, 1982), y  ‘You Can Leave Your Hat On’ (con la que calentó tanto el ambiente como la propia película donde fue incluida, ‘Nueve semanas y media’, 1986).

Pero si hubo un disco suyo que me marcó desde el primer momento que lo escuché y compré (era mi primer disco en directo que conseguía allá por el 73), fue el doble e imprescindible, ‘Mad Dogs & Englishmen’ (1970), álbum grabado en plena gira por los Estados Unidos, y que contó con la brillante colaboración de Leon Russell. No me  cansé de escucharlo, sobre todo el tema ‘Cry Me a River’, canción que todavía me eriza el vello con ese rítmico piano de Russell. Y si con aquel larga duración descubrí  una voz desgarradora, todavía fue mayor mi sorpresa cuando le vi en el documental que recogía parte del festival de Woodstock, en el que Joe cantaba casi desgañitándose, se agitaba endiabladamente, y movía sus dedos de forma convulsa, en lo que parecía un intento de contarse una y otra vez si le había desaparecido alguno de sus dedos. Descansa en paz apreciado Joe.

JOE COCKER, THE HEART-BREAKING VOICE OF THE SOUL LEAVES US

This 2014 is close to end, and has been extremely unlucky: several musical artists -then became and forever in our music daily-, have left. Today, the broken voice of Joe Cocker has just left us after a long illness. This was told by his record company Sony few minutes ago. I would not fall into the stereotypes, but it is essential to note that the largest and emotional versions made in 1969, rose to him in the early 70s to the Olympus of the elect. This is the case of 'With a Little Help From My Friends' (The Beatles, who cover his songbook on several occasions), 'Just Like a Woman' (Bob Dylan), 'The Letter' (Box Tops), 'Feelin' Alright’ (Dave Mason),' Darling Be Home Soon’ (John Sebastian), and a long list of songs, among which there was no shortage to some of his compositions (written in company with Chris Stainton) from the caliber of 'Pardon me Sir','Woman to Woman’, and the immeasurable 'High Time We Went', for review only some of which glittered in which for me was his best Cocker’s period: 1969-1972.

I must say, that his recording career has had its ups and downs, work resentful at the beginning of the 70 with bad habits like heroin; but when he got out of it, he succumbed to a bloody spiral of alcohol. In the mid-80s, a new generation applaud their business performances -with a Cocker more calm- such as ‘Up Where We Belong’ (a duet with Jennifer Warnes, and included in the soundtrack of the film ‘Officer and a Gentleman' 1982), and 'You Can Leave Your Hat on' (with which heated both the environment and the film itself which was included, in '9 ½ Weeks’, 1986).

But if there was an album that marked me from the first time I heard it and bought (it was my first live album getting back in 73) was the double and essential, 'Mad Dogs & Englishmen' (1970), album recorded on tour of the United States, which had the brilliant collaboration of Leon Russell. I'm not tired of hearing it, especially the track 'Cry Me a River', a song that I still bristle my hair with that rhythmic Russell’s piano. And if that long term I discovered a heartbreaking voice was even greater my surprise when I saw the documentary which contained part of the Woodstock festival, in which Joe sang almost bawling, stirring devilishly, and moved his fingers in a turbulent, in what seemed an attempt to count again and again if he had noted disappeared some of his fingers. Rest in peace dear Joe.

VENUS Y MARTE A LA VELOCIDAD DEL SONIDO / VENUS AND MARS AT THE SPEED OF SOUND

VENUS Y MARTE A LA VELOCIDAD DEL SONIDO

Como continuación a la serie de formatos Deluxe con los que McCartney nos viene ofreciendo su material discográfico brillantemente remozado con memorabilia y temas inéditos (bueno, es un decir, ya que la gran mayoría ya figura en nuestras colecciones), irrumpen ahora en el mercado prenavideño dos de sus discos menos deslumbrantes, pero que contribuyeron a que los Wings triunfaran en tierras yanquis en una gira fascinante. Pero, antes de comentar las canciones originales de estos dos discos, conviene reseñar que tan solo cuatro años después de la disolución de los Beatles, McCartney consigue ser uno de los ex Beatles con más éxito en Estados Unidos: su álbum ‘Band On The Run’, registrado en delicadas circunstancias, llega a permanecer 73 semanas en listas, de las que diez se mantuvo en el número 1, convirtiéndose en su obra maestra, sobrepasando en ventas el politicismo discográfico (‘Mind Games’) de Lennon, y el espiritualismo (‘Living In The Material World’) de Harrison. Y tras un año (1974) en el que McCartney colabora con su hermano Mike, Paul también recluta nuevos miembros para su grupo: Jimmy McCullogh, veterano de los Thunderclap Newman y Stone The Crows, a la guitarra y el buen whisky como buen escocés que era, y Geoff Britton, un experto en karate, a la batería. Una vez concluida la elección, unos reforzados Wings (en los que, por supuesto, también constan su esposa Linda y Denny Laine)  marchan a Nashville. Allí, en el rancho de Norbert Putnam, registran varios temas, entre ellos, el movidito y pegadizo ‘Junior’s Farm’.

En enero de 1975, la banda vuela de nuevo, esta vez hasta Nueva Orleans. En aquella ciudad grabarán nuevo material para su próximo álbum, y McCartney  también conocerá al batería americano, Joe English, reemplazando a Britton con el que casi llega a las manos. El resultado de las grabaciones no se haría esperar demasiado: en mayo de 1975, con un muy elaborado embalaje (de hecho fue elegido ‘Album Cover Of The Year’ por la revista ‘Music Week’) se edita ‘Venus an Mars’, consiguiendo al poco tiempo el número 1 en tierras yanquis; sin embargo, no alcanzaría las cotas brillantes de su predecesor, ‘Band On the Run’. ‘Venus and Mars’ es un álbum que comienza con muy buen pie con temas como el que ofrece título al mismo: una delicada pieza acústica que enlaza con la enérgica ‘Rock Show’, encontrando también en ‘Letting Go’ una continuación melódica;  pero el resto del álbum deambula entre el vaudeville (‘You Gave Me The Answer’), el glam imperante esos días (‘Spirits Of Ancient Egypt’, con Denny Laine a la voz solista), testimonios vitales (‘Medicine Jar’ compuesto y cantado por Jimmy McCullogh, una canción en la que el pequeño Jimmy confiesa su consumo de drogas), y por último, tras la balada ‘Treat Her Gently – Lonely Old People’, una versión del tema principal de la serie televisiva ‘Crossroads’, interpretación por la que McCartney sería duramente criticado. 

En cuanto a ‘At The Speed Of Sound’, su génesis vino marcado por la mastodóntica gira que los Wings iniciaron en septiembre de 1975. En la misma, canciones del ‘Venus and Mars’ compartieron escenario con varios temas de la época Beatles (que hicieron soñar a millones de fans con una reunión del legendario cuarteto), y con los nuevos que configurarían el nuevo disco ‘At The Speed Of Sound’. En mi humilde opinión, este trabajo fue realizado a la velocidad del sonido, tal y como su propio nombre indica, y eso se nota en las canciones. La revista musical americana ‘Crawdaddy’ llegó a escribir en la crítica del mismo: ‘Five dead in air disaster’ (Cinco fallecidos en un desastre aéreo), en alusión al título del álbum: algo fuerte para una crítica, pero lo cierto es que la idea de dejar que cantasen todos los miembros del grupo (algo muy respetable y democrático, por cierto) repercutió en la poca coherencia del material incluido, a caballo entre lo ofrecido en el disco anterior y algún tema que se podría haber quedado eternamente bajo llave, como es el caso de ‘Cook of The House, en el que Linda canta acompañada de sonidos de huevos fritos registrados delante de su cocina. Y si tengo que elegir algo bueno de este disco, me quedo con ‘The Note You Never Wrote’ con Denny a la voz solista, y ‘Silly Love Songs’, en la que lo de menos es el significado del texto (canción que Paul escribió dirigida hacia sus críticos), sino esas líneas de bajo magistrales que anticiparían muchos de los trabajos posteriores de McCartney.  

Después vendría el triple álbum en directo ‘Wings Over America’, pero eso ya es otra historia (el formato Deluxe apareció en 2013) de la que ya hablé en su momento en mi blog.  Si deseas leerla, aquí su enlace.

VENUS AND MARS AT THE SPEED OF SOUND

Following the Deluxe series format with which McCartney offered us his record material and brilliantly memorabilia renovated with rare material (well, so to speak, since the vast majority is already in our collections), now burst into the pre-Christmas market two of its less dazzling drives, but that helped that Wings triumphed in USA in a fascinating tour. But before commenting on the original songs from these two albums, it is noted that only four years after the breakup of the Beatles, McCartney manages to be one of the most successful ex-Beatles in America: his album 'Band On The Run’ registered in delicate circumstances, comes to stay 73 weeks in the charts, ten of which remained at number 1, becoming his masterpiece, surpassing with his sales the politicism ('Mind Games') of Lennon and the spiritualism ('Living in The Material World') of Harrison. And after a year (1974) in which McCartney collaborated with his brother Mike, Paul also recruited new members for his band: Jimmy McCulloch, a veteran of Thunderclap Newman and Stone The Crows, on guitar and good Scottish whiskey, and Geoff Britton, an expert in karate, on drums. After the election, stronger Wings (where, of course, they include his wife Linda and Denny Laine) march to Nashville. There, at the ranch of Norbert Putnam, recorded several tracks, including the catchy 'Junior's Farm'.

In January 1975, the band flies again, this time to New Orleans. In that city they recorded new material for their next album, and McCartney also know the American drummer, Joe English, replacing Britton with which almost reaches fight. The result of the recordings would not wait long: in May 1975 with a very elaborate package (in fact it was voted 'Album Cover Of The Year' by the magazine ‘Music Week’) is edited 'Venus an Mars', getting soon number 1 in Yankee land; however, would not reach the brilliant heights of its predecessor, 'Band On The Run'. 'Venus and Mars' is an album that begins with a very good start with topics as offered in the song title of the album’s name: a delicate acoustic piece that connects with the energetic 'Rock Show', also found in the melodic 'Letting Go'; but the rest of the album wanders between vaudeville ('You Gave Me The Answer"), glam prevailing these days ('Spirits Of Ancient Egypt', with Denny Laine on lead vocals), vital evidence ('Medicine Jar’ composed and sung by Jimmy McCullough, a song where little Jimmy confesses his drug intake), and finally, after the ballad ‘Treat her Gently - Lonely Old People’, a version of the main theme of the TV series 'Crossroads', interpretation for which McCartney would be severely criticized.

Regarding 'At The Speed Of Sound', their genesis was marked by the mammoth tour that Wings began in September 1975. In it, songs of 'Venus and Mars' shared the stage with several Beatles era songs (which made dream millions of fans with a reunion of the legendary quartet), and the new songs that would shape the album 'At The Speed Of Sound'. In my humble opinion, this work was performed at the speed of sound, as its name suggests, and it shows in the songs. The American music magazine ‘Crawdaddy’ even wrote in criticism of it: 'Five dead in air disaster’, in reference to the album title: something strong for a review but the fact is that the idea of leave sing to all group members (very respectable and democratic, of course) affected the consistency of the material included, straddling featured on the previous album and an issue that could have been eternally locked as is the case in 'Cook of The House, in which Linda sings along accompanied by recorded sounds of fried eggs in front of his kitchen. And if I have to choose something good about this album, I'll take 'The Note You Never Wrote' with Denny on lead vocals, and 'Silly Love Songs', in which the least is the meaning of the text (Paul wrote this song directed to his critics), but with masterful bass lines that anticipate many of the later works of McCartney.

Then came the triple live album 'Wings Over America', but that's another story (the Deluxe format appeared in 2013) of which I spoke at the time on my blog. If you want to read it, here is the link.

LAS CINTAS DEL SÓTANO AL COMPLETO / THE BASEMENT TAPES COMPLETE

LAS CINTAS DEL SÓTANO AL COMPLETO

Cuando muchos de los seguidores de Dylan estábamos realmente intrigados del porqué no se habían editado todavía, en junio de 1975, Columbia Records publica ‘The Basement Tapes’; un compendio de improvisaciones, canciones tradicionales, versiones y temas nuevos que Bob Dylan registró a mediados de 1967 en la habitación roja de su casa en Woodstock, y en el sótano de Big Pink, la casa de campo pintada de rosa en West Saugerties donde ensayaba su banda de acompañamiento, The Hawks, posteriormente conocidos como The Band. Para los incondicionales, aquella ‘muy esperada’ publicación, llegaba bastante tarde, ya que gran parte –por no decir toda– de aquellas míticas cintas (varias decenas) habían sido desgranadas en sendos discos piratas; de hecho, el primer bootleg ilegal que apareció en 1969 en el mercado, ‘Great White Wonder’ (doble álbum) estaba dedicado al bardo de Minnesota. Y en el mismo, entre muy jugoso material, se encontraban varios de los temas registrados en Woodstock: canciones que cambiarían la forma de componer de los Beatles y los Rolling Stones en ese mismo año 1969. Ni que decir tiene que a partir de ese bootleg de Dylan que se hizo muy popular, llegaron unos cuantos centenares más. Los que seguimos la carrera de Bob hemos estado muy al tanto de esas publicaciones, muchas de ellas con material de estudio y en directo, pero numerosas con temas registrados en el sótano. Y cuando prácticamente todo acerca de esas grabaciones ha sido editado (existen hasta cajas ilegales con 10 discos), hoy, casi medio siglo después, aparece ‘The Basement Tapes Complete’ (estuche con seis discos compactos y un muy atractivo libro), edición que supone la undécima entrega de la colosal y sorprendente ‘The Bootleg Series’ de Dylan que viene apareciendo desde 1991.

Como era de esperar, la discográfica se ha apresurado a resaltar que de los 138 temas recogidos, algunos han sido descubiertos recientemente, lo que aporta a esta nueva caja un valor añadido, a pesar de que algunos de estos cortes están inacabados. Precisamente es esa espontaneidad la que confiere a estas míticas  cintas una detenida escucha; si bien conviene conocer en qué contexto fueron registradas. Para ello nos tenemos que remontar a mediados de 1966. Después de una gira mundial que le llevó por todo Estados Unidos, Canadá, Australia y Europa, Dylan es una caricatura de sí mismo: el tabaco y la droga lo tiene completamente desequilibrado. Todo ello sumado a que apenas comía, confiere a Bob con gafas de sol que no se quita desde que se levanta hasta que se acuesta, una imagen quijotesca; extraño perfil que complementa vistiéndose de negro de los pies a la cabeza. El 29 de junio de ese mismo año, Dylan sufre un accidente con su moto Triumph Tiger 100. Desde ese mismo día, los rumores comienzan a crecer: que ha quedado paralizado, desfigurado, e incluso que ha fallecido.

No hay camino fácil que lleve a algo que valga la pena, y es por ello que Bob, cuando reaparece un año después con barba, bigote y con aspecto mucho más saludable, un arduo trabajo le ha costado volver como un hombre nuevo: quizá aquel  “accidente” (muchos estudiosos y críticos sostienen –yo también me apunto– que no hubo tal percance, sino que ingresó en una clínica de rehabilitación) hizo comprender a Bob los riesgos de la droga y de una vida desordenada. Por fortuna cambió las substancias peligrosas por ‘medicina lírica’ surgida de su inspiración, ofreciéndonos –a su ya entonces deslumbrante y extenso cancionero– un puñado de canciones atemporales grabadas en un viejo sótano acompañado de una banda legendaria.

THE BASEMENT TAPES COMPLETE

When many Dylan fans were really puzzled why they had not yet released, in June 1975, Columbia Records released 'The Basement Tapes'; a collection of improvisations, traditional songs, covers and new songs that Bob Dylan recorded in mid-1967 in the red room of his home in Woodstock, and in the basement of Big Pink, the pink painted cottage in West Saugerties where he rehearsing with his backing band, The Hawks, later known as the Band. For committed, that 'much anticipated' publication, arrived quite late, as much –if not all– by those mythical tapes (several dozen) had been shelled in two bootlegs; in fact, the first illegal bootleg appeared in 1969 on the market, 'Great White Wonder' (double album) that was dedicated to the Minnesota’s bard. And therein, including juicy material were several issues recorded in Woodstock: songs that would change the songwriting of the Beatles and the Rolling Stones in the same year 1969. Needless to say that from that bootleg Dylan that became very popular, they come  hundred more. Those who followed the career of Bob have been well aware of these publications, many with study material and live, but many tracks recorded in the basement. And when almost everything about these recordings have been released (there are even pirate boxes with 10 discs), today, almost half a century later, appears 'The Complete Basement Tapes' (box with six compact discs and a very attractive book) edition that represents the eleventh installment of the colossal and amazing  Dylan’s 'The Bootleg Series' released since 1991.

As expected, this new box has been quick by the company to note that of the 138 items collected, some have recently been discovered, which gives this new box added value, even though some of these cuts are unfinished. It is precisely this spontaneity that makes these mythical tapes careful listening; although you should know in what context were recorded. To do this we must go back to mid 1966. After a world tour that took him across the US, Canada, Australia and Europe, Dylan is a caricature of himself: the snuff and the drug has completely unbalanced. All this combined with barely ate, confers to Bob with sunglasses not removed from standing up to lying down, a quixotic image; odd profile that complements his black dressing from head to toe. On June 29 of that year, Dylan has an accident with his motorcycle Triumph Tiger 100. From that day, rumors begin to grow:  that has been paralyzed, disfigured, or even deceased.

No easy road that leads to something worthwhile, and that is why Bob reappears a year later with a beard, mustache and more healthy, hard work has taken him to back as a new man, perhaps an "accident" (many fans and critics say –I’m also–that there was no such mishap, but him entered in a rehab clinic) for which Bob did understand the risks of drug and disorderly life. Fortunately he changed the  hazardous substances for 'lyrical medicine' arose from his inspiration, offering –his and then dazzling and extensive songbook– a handful of timeless songs recorded in an old basement accompanied by a legendary band.